Fotolibro_ Alba

Laboratorio: Natalia Alayón Nat coco Lunar

Cuando estaba pequeña mi madre tenía una cámara analógica la cual >>no<< me era permitido utilizar, mas que para mirar por el visor. Me gustaba como se veía un pedacito de mundo en un cuadrito. 

Amaba el olor de los negativos. 

Natalia Alayon nos deja en este espacio una hermosa conversación, tan natural, como encontrártela dandote la bienvenida en la galería de la Escuela Prada durante la inauguración de su premio Felix Facchin 2013 . 

Espontánea, genuina, Natalia te recibía y te hacía sentir en casa.

Sin dejar de lado toda su energía femenina parece que te mostrara su mundo, pero conocerla como amiga definitivamente debe ser distinto. Por mas que se exponga, Natalia te deja ver que tiene mucho mas en ese mundo interior que asoma en sus fotografías... veamos un poco del trabajo de esta maravillosa fotógrafa. 

A los 13 años con mis primeros ahorros compré mi primera cámara. Una Kodak digital, y fue cuando comencé hacer fotos. Me gustaba hacer capturas de las personas al natural, pensando, hablando y sobre todo sonriendo espontáneamente, por suerte a mi familia se le dá muy facil eso de andar "muertos de la risa". 

Así mismo me fui iniciando en el mundo de los autorretratos, comencé con lo que hoy llamamos "selfies" pero poco a poco me interesó las expresiones distintas, las miradas. Mi curiosidad por las texturas y la piel creció y empecé a tomar fotos de mi cuerpo, que nunca salieron a la luz. 

Divago mucho en este punto, pero la verdad, es que la vida misma fue lo que me estimulo a hacer fotos, me llamo la atención el hecho de congelar ciertas expresiones en una imagen perdurable, así comenzó todo.

El Laboratorio:

¿Que significado tiene la fotografía para ti, que representa en tu vida? 

La fotografía es mi principal medio de expresión, a través de la cual materializo tanto mi forma de pensar como mis sentires, caprichos, miedos/terrores/manías. Pero esto es algo inherente al hecho de que uso la fotografía como forma de catarsis. 

Para desahogar todo eso que se mantiene revoloteando en la mente, eso, que si no sale terminará comiéndote a ti mismo, y a todo lo que piensas, lo que crees que eres, y que la única forma de desahogo es pinchar un ojo y dejar que por allí vaya saliendo a forma de chorro o a cuenta gotas, la fiesta de TODO de lo que llevas dentro.

¿Te gusta hablar de tu trabajo fotográfico, de qué se trata? 

No se en realidad si me gusta o no hablar de mi trabajo. Si se trata de gustarme, me gusta escuchar lo que la gente piensa, siente o analiza de mi imagen. Me gustan las texturas, las cicatrices, las marcas, las historias en la piel. Amo los cuerpos desnudos naturales, reales, sinceros, ellos son mi instrumento.  Me gusta hacer fotos que se sientan, que se oigan. Me gusta decir lo que pienso y siento de la manera que lo hago, y punto.

¿Cómo es tu aproximación a la fotografía, es una necesidad, una profesión, un oficio?

Definitivamente se ha vuelto una necesidad. Creo que existimos varios que experimentamos eso de ver a nuestro alrededor y tener capturas mentales de todo, ya no en un punto técnico, sino semiótico. 

Sinceramente sin la cámara, sea cual sea, me siento vacía e incompleta, poder materializar mi visión es “necesario”.

¿Tienes algún fotógrafo que admires, cuál y cómo lo descubriste?

Son varios, pero la principal que desde un comienzo me marcó fue Francesca Woodman. La conocí cuando en conversaciones con mi principal tutor y guía, Wilson Prada, le comentaba la ambigua idea de lo que quería plasmar en mis fotos, y digo ambigua porque apenas estaba aprendiendo como usar una cámara. Él me recomendó varios autores, pero ella fue la que me marcó de una manera tan profunda, ella logró en muchas imágenes lo que quería lograr, gritar en silencio con imágenes.

Otros que han estado presentes son García-Alix y recientemente Coplans. 

De Alix me enamore cuando husmeaba en la bibilioteca de Wilson Prada durante una época de pasantía en la Escuela de Fotografía Prada, y su irreverencia me engancho, su vomito social real me flechó. Y Coplans fue idea de Esso Alvarez, que en una conversación fugaz me invitó a ver un poco del trabajo de John Coplans, y de nuevo me enamoré, formas y texturas mágicas, y piel, mucha piel hermosa.

¿Cómo sientes que las personas reaccionan a tus imágenes?

Varias personas han mostrado un rechazo, así como varias han mostrado empatía, admiración o gusto. El hecho del desnudo tan cercano confronta al observador. Me gusta que a la gente le incomode así como me gusta que la gente se identifique, pero aún más me gusta, y adoro, el hecho de que ese trabajo, ese proceso allí plasmado en imágenes, haya motivado a varias personas, que ya están en alguna parte de ese proceso, a crecer, a amarse a si mismas tal cual como son, a mostrarles que hay algo grandioso al final de ese camino, que se puede. 

“De cuando aprendí a amarme” no solo es la representación visual de un proceso, es la evidencia misma de mi proceso. En esos pixeles esta mi carne, mi sangre, mis lágrimas y mis suspiros. Creo que esa parte sincera y real de las imágenes fue lo que le llego tanto a tantas personas que se acercaron a mí luego a darme gracias. A pesar de que use el cuerpo para plasmar el proceso, he de mencionar que sin lugar a dudas ese proceso es mas interno que físico.

Con respecto a la retroalimentación, además de los comentarios y conversaciones con Fernando Carrizales y Carlos Martínez, la serie participo en una proyección donde estuvimos varios fotógrafos de Prada Escuela de Fotografía, la cual tuvo lugar en el auditorio de El Carabobeño, (Valencia Edo. Carabobo) donde varias personas, estudiantes de fotografía, profesores, y público en general, asistieron y dieron sus opiniones y criticas acerca de las series proyectadas. Solo he de decir que el mejor de los halagos son los aplausos, no podría estar más que agradecida por esa experiencia, a Talleres CEASS, a Prada Escuela de Fotografía y a todos aquellos que han comentado, dicho algún halago o crítica, y apoyado. Ver a un montón de personas aplaudir mi serie, mi arte, mi proceso, fue algo que sin duda tiene un significado en este momento para mí: “Felicidad”.

Encuentra su trabajo en: Facebook: Coco Lunar -SelfPortraits-

 https://www.facebook.com/cocolunar?ref=ts&fref=ts

hayrestauración foto carnet 1980

Laboratorio: Fernando Chan Fung

Fernando Chan es un fotógrafo venezolano que en el camino encontró la formula de la eterna juventud: "la fotografía".

Para él, la fotografía es su mejor terapia tanto frente a las presiones del entorno, como frente a los conflictos internos que puedan llegar a presentarse en el día día. Su trabajo habla mas de lo que él habla en persona, y al verlo uno no podría descifrar su carrera de abogado, su gusto por la naturaleza o su trabajo fotográfico.

La curiosidad lo acerca a la fotografía, y es la fotografía la que le sirve de herramienta expresiva, herramienta que utiliza de un modo peculiar para mostrar su cosmogonía personal. 

"Al comienzo sentía muchas ganas de devorar todo lo que impartía conocimiento, los tutoriales en Internet, los libros, los cursos, y todo motivado a aprender y crecer como fotógrafo, no me arrepiento de los ensayos y errores porque gracias a ellos vinieron las criticas y con ello el auto análisis y las correcciones, pero para eso el fotógrafo tiene que oír y a la vez anular al Ego para poder avanzar."

Fotografía: Fernando Chan Fung

Actualmente esta seleccionado en la 10ma Bienal Nacional de Fotografía del Municipio Girardot Edo. Aragua. Una breve mirada a este autor de la fotografía venezolana puede acercarnos a la investigación y al estudio fotográfico.

El Laboratorio:

¿Qué te motivo a hacer fotografía?

Fue mas por capturar momentos de mis expediciones cuando salía con exploradores que venían de otros países, y todos cargaban equipos impresionantes y yo una apunta y dispara, cuando comparaba los resultados no entendía por qué mis fotos no eran iguales que las de ellos, así que culpe a la cámara, y a partir de allí nace mi interés de mejorar mis fotografía y cada vez buscaba a través de tutoriales y cursos la manera de mejorar.

Fotografía: Fernando Chan Fung

Fotografía: Fernando Chan Fung

¿Tienes algún fotógrafo que admires, Como llegaste al fotógrafo que mas afecto tus imágenes?

• En realidad fueron muchos fotógrafos que me inspiraron. En un principio mi tendencia era netamente paisajista y obviamente Ansel Adams era mi inspiración. En la fotografía de naturaleza admiro muchísimo a Bence Mate, luego, en mi transición al surrealismo me encuentro con Jerry Uelsman, Chema Madoz y obviamente el mayor inspirador Dalí.

¿Alguna vez intentaste copiarlo?

• Claro a Chema y a Bence Mate los reinterprete como tarea en el CCEAS.

Fotografía: Fernando Chan Fung

Fotografía: Fernando Chan Fung

¿Cuando vas hacer una imagen, que es lo que te motiva?

Yo hago dos tipo de fotografía, una que es de contemplación para mis ojos y alegría para mi alma que son los paisajes y naturalezas, trato de comprender qué es lo que me puede dar esa escena que Dios puso enfrente de mi y busco a través de las técnicas crear una ficción para mi. Y la otra fotografía que hago son monstruos que saco de mi cabeza inspirandome con las situaciones cotidianas, eventos y noticias que recibo, eso genera en mi una serie de sentimientos y busco crear desde cero la imagen de manera onírica. Siempre esperando que al espectador le llegue mi mensaje, mi forma de pensar, mi opinión.

Fotografía: Fernando Chan Fung

Fotografía: Fernando Chan Fung

Fotografía: Fernando Chan Fung

Fernando Chan fotografia: Ivan Mikolji

Instagram:  fer3257

Facebook: fernandochan

https://www.facebook.com/fernando.chan.395

500px: https://500px.com/fernandoqwer

Luz en la Fotografía. El arte de la luz__ Hikari no gijutsu

La luz es mensajera de las cosas, intermediaria entre la escena y tu ojo.

Al encerrarla en una foto transmites tu visión de la escena, así hay quienes creen que la fotografía es certificado de autenticidad y de la presencia del fotógrafo en la escena. Particularmente lo creo, la fotografía es reflejo de su autor, lo delata.  

Para el tema de la luz Paco Rosso plantea que: 

Fotografía Fan Ho

La luz que expone es la que graba y escribe las formas en el interior de la cámara. La que crea la corriente en el sensor electrónico. 

Querrás saber de esta luz por su cantidad y la diferencia entre MAYOR o MENOR fuerza que ejerzan en tu cámara. 

cuando estas frente a ella piensas en el triángulo de exposición: diafragma, velocidad de obturación, sensibilidad.

La luz que expone es la que te permite registrar la escena y ampliarla. 

La luz que modela es la que REVELA las formas, la que muestra el vacío del espacio.

1. es la que empleas para dar cuenta de las cosas que ves pero también es la que usas para falsearlas. 

1. Usas la luz que modela para mostrar y esconder.

1.  La usas para hablar de lo que ves pero sobre todo de lo que quieres que vean.

La luz que expresa sirve para dirigir la mirada, para transmitir emociones, para hablar. 

Es la que genera la atmósfera

la luz que expresa puede ser símbolo y como todos los símbolos deberás conocer su significado así como también deberá conocerlo quien lo lea. La mayor parte del tiempo es algo intuitivo que todos reconocemos desde el inconsciente. 

Lo importante es que como fotógrafo encuentres tu propia luz. No te angusties en el momento de hacer fotografías pensando en estas tres luces, es algo que irás internalizando y poco a poco desarrollando junto a tu lenguaje fotográfico. 

Para este post, utilizamos el trabajo fotográfico de Fan Ho. Acá una muestra: